Chronique d’une danseuse est une performance qui s’intéresse à la question fondamentale de l’interprétation. L’idée étant de donner à voir au public un processus créatif en temps réel à partir d’archives.

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“Avec cette pièce pour trois interprètes, inspirée par la liberté du mouvement punk, Jérôme Brabant invite à un voyage dansé rythmé par une création musicale de Gustine.” Anne de La Giraudière

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Début du NeufNeuf Festival au RING ! ☆ En première partie, la chorégraphe Nedjma Merahi présentera sa création CDD et en seconde partie Jérôme Brabant présentera sa re-création (Je n’ai pas eu le temps d’y penser), c’est arrivé !

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Une mère attend que son fils l’appelle. Elle ne l’a pas vu depuis longtemps, sauf sur l’écran de son téléphone. Que fait-elle de ce temps suspendu dans l’attente ? Elle parle à son fils absent, loin d’elle, non à cause des kilomètres, mais en raison du chemin qu’il a pris. Elle parle pour ne pas « devenir folle », c’est ce qu’elle se dit. C’est ce qu’elle dit au père du fils, qui lui se réfugie dans le silence. Ses pensées tournent sur elles-mêmes, en boucle, ses pensées la dévorent. Elle dérape, elle ne sait plus ce qu’elle dit, elle étouffe, elle a besoin de crier, elle voudrait hurler. Sa douleur, son incompréhension, son horreur. Son fils est un passeur de migrants ; son fils qu’elle aime tant, accomplit chaque jour des actes inimaginables, des actes inhumains. Comment remplacer l’image de l’enfant innocent par celle de l’homme que l’enfant est devenu. Cet homme qui « a gardé le même visage quand tout en lui est devenu infamie » ? Elle essaie de comprendre. Mais il n’y a pas de compréhension possible. Elle s’enfonce de plus en plus « au cœur des ténèbres ». Et nous y plonge.

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Cette pièce est une course. Celle de personnages détachés de leurs liens sociaux. Adolescents et adultes…
Les adolescents sont les uns, dans une recherche d’amour inconciliable avec un univers social qui ne leur fait pas place, les autres dans une fuite en avant sous-tendue par le vertige du risque physique et la violence fantasmée.
Quant aux adultes, ils sont comme des électrons libres, déconnectés de leurs métiers, vacillant dans leurs liens familiaux, errants au sein de cette gigue sur laquelle ils n’ont aucun pouvoir.
L’écriture de Claudine Galea entremêle les fils de ces destins dans unedanse qui cible la mort. Elle est rapide, directe, elle ne s’attarde pas, on passe…. elle trace les trajectoires croisées des personnages qui énoncent les désirs ou les impuissances qui vont incliner leurs destins.

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« Avant de mettre au monde son fils, laissant sa carrière de côté, E. était comédienne. Un soir, alors qu’elle remonte tout juste sur scène dans le rôle d’Électre, elle est prise d’un fou rire incontrôlable. Puis elle cesse de parler. Advient alors un silence vicieux, plein à craquer de mots débordés d’eux-mêmes — des mots qu’elle a pas su dire, des cris qu’elle n’a pas pu crier. Ce cri là de la naissance du fils. Celui d’Électre aussi. E. débordée cherche à comprendre, les raisons du silence, les raisons de parler. Dans le cadre d’un parcours analytique qui la confronte à elle-même, progressivement, elle raconte : l’instant du glissement originel, la difficulté à tenir debout, la perte du premier mot, l’oubli du visage de la mère, la parenté saisissante qu’il y a à accoucher d’un enfant et d’un personnage. Qu’advient-il de nous lorsque la peau s’ouvre si fort qu’elle laisse passer un nouvel être — qu’il soit d’encre ou de chair ? Où s’arrête le corps de la mère, où commence le corps de l’actrice ? Ou finit la langue maternelle, où débute la parole politique ? À quelles formes de transmissions systémiques le langage nous contraint-il ? Construite en douze séances et une post-séance, cette pièce sur la confusion identitaire est une réponse à Persona de Bergman. Un texte politique sur la dépression postpartum dans lequel le langage devient le miroir de la fissuration de l’être. Une pièce en forme de poème analytique où tressant les transferts, la situation d’analyse est poétisée, confondue à la situation théâtrale.» Sigrid Carré Lecoindre.

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Cette présentation intervient après plus de 5 mois de travail de plateau avec 9 intervenants différents : Jean-Marc Richon, Laëtitia Boyault, Michel Mathieu, Marie-Angèle Vaurs, Dominique Collignon, Denes Debrei, Jean-Marc Matos, Séverine Astel et Katharina Seyferth. Cette année, c’est Laëtitia Boyault qui accompagne la présentation de fin de formation. → Avec la mer comme horizon. La roda ouverte à celui qui veut la traversée/er, à ses risques et périls, un cri lancé à la vie : à tout prix vivre, pour pouvoir un jour exister.

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Écrit à partir de témoignages d’inconnu·es, Alter est une suite de réflexions philosophiques ordinaires, un échange d’idées fondamentales quoique sans prétention sur la vie, la mort, les relations amicales, la domestication de l’humain. À ces discussions se heurtent des corps généreux, explosifs, sensuels, circassiens. Le but de l’oeuvre est de jeter une lumière sur ces réflexions philosophiques simples que nous nous constituons et de poser un regard bienveillant sur cet être-ensemble obligé qui nous unit. Dans un contexte physique débordant, mettant en jeu des corps intelligents et jubilatoires.

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Et quand il eut dépassé le pont, les fantômes vinrent à sa rencontre : Nosfératu de Friedrich Wilhelm. Murnau

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« Bouger ensemble en rythme 
Est un moyen humain
 De créer des liens, de communiquer.
 Coordination et synchronicité,
 Renforçant le sentiment d’unité. (…)
 L’individuel devient groupé, 
 Exutoire physique et mental,
 Cohésion et homogénéité du corps social. » 

 ​ Extrait tirés de l’ouvrage « Au-Delà du Club »

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Sur scène une bétonnière, une énorme bâche bleue et du sable: un espace scénographique entre plage et chantier. Un environnement où nous prenons le soleil, alors qu’un avenir incertain plane sur nous. La plage est de la Méditerranée touristique, avec ses hôtels et ses lotissements résidentiels, où le sable de la plage se mêle au sable du béton. Le sable comme symbole du temps qui passe et de la désolation. La mer est une matière de plastique bleu, un filet utilisé pour recouvrir les échafaudages. Et la bétonnière qui nous tient compagnie et qui tourne en rond.

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Pour ce nouveau projet, ma recherche se pose sur une fréquence : Le LA 440, note de musique associée à une fréquence utilisée comme hauteur de référence. Confronté à une standardisation des concepts, des objets, des sons et de la musique, le corps par en exploration de ce qui le défini comme individu et comme groupe social.

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« À Pic met de la poésie sur scène. A travers le regard des deux créateurs, le spectacle pose une vision de la modernité. Celui-ci se matérialise dans des poésies musicales, ces discussions de mots et de sons, d'ambiances et de phrases à travers desquelles le spectateur est invité à voyager. »

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RUGOSITÉ. De la surface rugueuse au grain : un jeu visuel entre les formes géométriques simples est mis en place. On voit la trame précise d’une image texturée. On observe des planches de motifs géométriques simples qui semblent en être le zoom. Puis se dessinent des formes élémentaires - signes - dans des objets trouvés sur place qui ont été catalogués. Les déclinaisons saisonnières ont en commun les couleurs et ce jeu infini entre des formes simples dans lesquelles on zoom et dézoome. 

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« C’est au travers de mouvements guidés, de jeux et de temps improvisés que nous explorerons les possibles du corps instinctif. Il s’agit ici de (re) questionner nos connaissances, automatismes et nœuds afin de les dépasser et permettre ainsi, à l’artiste singulier que nous sommes, de se laisser surprendre à chaque instant. Chaque jour, nous explorerons différentes qualités, états, dynamiques. Nous pousserons le volume de nos intensités, creuseront nos intentions, et explorerons aussi bien les contrastes à l’intérieur et autour de nous.  _ Une amorce infinie de changements _ Nous construirons et déconstruirons sans cesse nos gestes et nos imaginaires. Pour alors développer un état naturel dynamique, créatif et instinctif du corps. Sarah propose ainsi dans ses cours de partager ses expériences en tant qu'interprète, sa propre vision artistique et sa façon de se renouveler. »

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Entre octobre 2022 et mai 2023, dans les plis des reliefs montagneux de l’Ariège et des Hautes-Pyrénées, La Soulane, l’association Traverse et Les Bazis ont accueilli trois séjours de transmission et de recherche. Immergés dans les paysages pyrénéens, environnés de présences atmosphériques et métamorphiques, nous avons partagé cette question liminaire : Que peut-on fabriquer aujourd’hui, à partir des savoirs du corps, qui puisse être éventuellement ressource pour d’autres à venir et pour d’autres que nous ? La transe poétique d’un corps dansant cherchant un équilibre précaire dans le monde, voilà qui peut aider à tenir, peut-être…

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« K O M U N est une création hybride tissée autour de la danse, du théâtre et des arts visuels. Elle témoigne de rêves et de bonheurs, de blessures et de crises, et cherche à tendre un miroir à nos splendeurs et misères conjugales. À travers les décalages et les dérapages des deux personnages, on explore le tragique de la condition humaine, la pesanteur de l’être et la projection des ombres de l’enfance. Elle et lui s’aiment naïvement, crûment, magnifiquement, horriblement… dans une vie qui n’a rien de prévisible ni d’arrangeant. Loin des figures héroïques, les deux interprètes surgissent et s’éclipsent comme sur un théâtre d’ombres. »

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Genius Loci · L'esprit des Lieux · est un voyage de Blagnac à Toulouse, un projet de ville, danse et photographie, pour et avec les habitants des Quartiers Barradels à Blagnac et des Sept Deniers à Toulouse, mené par les chorégraphes Christophe Le Goff et Lorena Calandin, et la photographe, Yutharie Gal-Ong.

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“La notion de “corps en mouvement sur scène” constitue une partie très importante de ma recherche artistique. La valeur expressive du corps et sa précision narrative sont de très grandes qualités quand elles sont développées dans la complexité technique de l’exécution. Cette complexité permet à l’interprète d'aller explorer des contenus théâtraux que seules les personnes spécialisées dans la motricité et qui sont à la recherche d’une interaction avec l’observateur peuvent atteindre. "Fantômes" est un processus de création au service de cette philosophie.” V L A D I M I R R O D R I G U E Z - Chorégraphe de Fantômes "La recherche poussée que Vladimir propose aux machines vivantes que sont nos corps est passionnante. Elle rejoint à plusieurs endroits ma quête de justesse en scène. Il m'importe de rendre visible ce travail en France, comme artiste-interprète, comme porteuse de projet et comme chercheuse en scène." Q U E L E N L A M O U R O U X - Collaboratrice, interprète pour Fantômes + Direction Artistique de Qalis

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★ ARIA SENE Installation culinaire et atelier de confection d’onigiris ★ NICOLAS MAUREAU Exposition de peinture ★ ÉMILIE LABÉDAN Performance de danse in situ l'exposition de Nicolas Maureau ★ MATTHIEU GUILLIN Pièce musicale immersive ★ À boire, à manger, à ringer !

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Et quand il eut dépassé le pont, les fantômes vinrent à sa rencontre : Nosfératu de Friedrich Wilhelm. Murnau

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GENIUS LOCI - L'ESPRIT DES LIEUX, un voyage de Blagnac à Toulouse. La compagnie Maygetsin - Christophe Le Goff a créé entre mars et septembre 2023 une nouvelle version de son travail chorégraphique autour de la performance Genius Loci - L’esprit des lieux.

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« Quand l’ombre de la croisée apparaissait sur les rideaux, il était entre sept heures et huit heures du matin / Couché / J’entendais la montre / Elle était appuyée contre / Je me retrouvais alors dans le temps / Un moineau, coupant le soleil en biais, vint se poser sur le rebord de la fenêtre et me regarda, la tête penchée. / Son œil était rond et brillant. Il me regardait d’abord avec un œil, puis / clac / il me regardait avec l’autre (...) /. L’heure se mit à sonner. (...) On aurait dit qu’il l’écoutait aussi. (...) / Le tic-tac continuait toujours / Je me suis levé / L’ombre n’avait pas tout à fait quitté le perron. / Je me suis arrêté avant de franchir le seuil et j’ai observé la progression de l’ombre. / On pouvait presque la percevoir. Elle rampait vers l’intérieur, faisait reculer l’ombre jusque dans la porte. (Ostinato, répétition rythmique) »

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Lorsque Gina apprend les circonstances de sa venue au monde, ses perceptions changent. Son imaginaire se déploie au moins autant que ses questionnements. Elle grandit et voudrait se défaire peu à peu d’un sentiment d’empêchement. Deux actrices portent sa parole morcelée, intercalée de rêves, qui à la faveur d’une alternance jour / nuit s’apparente à une enquête intime faite de sensations, souvenirs, et une entrée progressive dans les pouvoirs émancipateurs de l’écriture. Une recherche de plateau à la croisée du texte et de la photographie argentique.

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Les étudiant·e·s en deuxième année de DNSP artiste de cirque commencent la rentrée par un stage de clown. Depuis plusieurs années, l’école a développé un partenariat avec l’artiste Caroline Obin qui dirige ce stage.

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Alter est une pièce de cirque introspectif mêlant textes, danse, et équilibres. Au plateau, Charlotte Le May et Verena Schneider reconstituent des extraits d’entretiens avec deux inconnues. Navigant entre les thèmes de la subjectivité, de l’observation, de la relation avec la nature, la pièce trouve son équilibre entre ces philosophies dites de comptoir et les débordements de ces deux corps généreux. Le but est d’exposer cette quête de sens qui nous traverse toutes, dans un contexte circassien.

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« Quand on lui demande ce que le mot racisme signifie pour elle, l'intellectuelle américaine Ruth Gilmore répond que le racisme est l'exposition de certaines populations à une mort prématurée. Cette définition fonctionne aussi pour la domination masculine, la haine de l'homosexualité ou des transgenres, la domination de classe, tous les phénomènes d'oppression sociale et politique. Si l'on considère la politique comme le gouvernement de vivants par d'autres vivants, et l'existence des individus à l'intérieur d'une communauté qu'ils n'ont pas choisie, alors, la politique, c'est la distinction entre des populations à la vie soutenue, encouragée, protégée, et des populations exposées à la mort, à la persécution et au meurtre. » Édouard Louis

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Un regard punk du folklore argentin, une vision féministe du Malambo. Un univers fait de danse, de musique, de mots, d’obscurité, de feu mais aussi de rencontre, de bataille, d’improvisation, de défi, comme celui du malambo.

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« Trois Colliers » est une pièce en trio chorégraphiée par Mathilde Papin, avec Arthur AMARD, Maud CC LE FLOHIC et Pauline WEIDMANN.

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Les Variations Goldberg de Bach ont été le point de départ chorégraphique et musical du duo MAGDALÉNA, invitant à la divagation, à la suspension... L’œuvre, prise dans sa dimension de dialogue, appelle à rechercher ce qui fait lien à soi et lien aux autres, dans un duo d’états sensibles et d’écoute. Sensations propres, voyages intérieurs et connexions de proximité constituent un voyage où l’altérité devient palpable dans un espace en constante vibration.

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À quoi elle pense ? C’est quoi la pensée ? ... un flux intérieur qui nous berce de ses accélérations, de ses amorces, de ses suspensions, de ses hésitations ? Tu te souviendras que j’étais ici nulle part envisage la pensée comme un mouvement permanent et insaisissable. Tu te souviendras que j’étais ici nulle part envisage la pensée comme une danse.

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FAIRE FLEURIR met en présence un danseur, des cailloux, deux musiciens et tout un climat d’ombres et de lumières dans un espace terriblement réduit en hauteur. Assis tout autour de cette caverne de voiles sans parois, le public observe une inclinaison imposée vers le sol. Tout se déroule à une hauteur qui ne permet pas à l’homme de s’ériger sur ces deux jambes, debout. Comme dans un endroit souterrain, dans un lieu reclus, secret ou inaccessible, quelques humains se lient à la recherche d’un corps capable de tenir à quatre pattes.

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Se retrouver dans un état d’extrême secousse, éclaircie d’irréalité, avec dans un coin de soi-même des morceaux du monde réel. Antonin Artaud – L’Ombilic des limbes La lecture des textes d’Henri Michaux, L’Infini turbulent et Connaissance par les gouffres est à l’origine de ce projet. Les expériences menées par Michaux autour de substances psychotropes interrogent notre perception de la réalité et notre capacité à nous en satisfaire.

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Une femme chuchote à notre oreille sa porosité avec le monde animal, sa réalité trouble entre les deux mondes. Plongés dans un intense univers sonore, nous voyageons avec elle dans la nuit de la forêt, remplie de présences invisibles, un bestiaire sans nom. Sommes-nous capables de nous glisser dans la peau d’autres êtres vivants ? D’observer la beauté du monde ? Quelles sont cette vitalité et cette joie d’être en vie qu’elle essaie de saisir ? Quelle sauvagerie interroge-t-elle vraiment ? Et si c’était celle d’une époque sur le point de non-retour ? Comment vivre avec la perte ?

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Inspirée du récit Walden ou la vie dans les bois d’Henry David Thoreau, Walden Voices est une œuvre mixte pour deux voix de femmes et dispositif électroacoustique. Fruit du projet musical pédagogique L’Odyssée Walden, cette œuvre est une commande de l’Etat passée au compositeur Guillaume Hermen, accueilli en résidence en 2021-2022 par Les éléments, Centre d’Art Vocal Occitanie.

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Pendant les décennies d’une très riche production artistique, Ghédalia TAZARTÈS a incarné un ailleurs de la création musicale, poétique, vocale, empruntant ses figures à la poésie sonore, à la chanson, aux modalités de la musique concrète ou à différentes traditions musicales dont il se réapproprie ou recrée des idiomes. Un hommage à ce créateur singulier sera enchâssé dans les portraits de deux personnalités musicales de premier plan : Agnès POISSON et Stéphane BORREL, et celui de deux jeunes compositeurs issus de la classe de composition électroacoustique du CRR de Toulouse : Élise BONIFAS et Ozan Can YILMAZ. Élèves en composition électroacoustique du CRR de Toulouse.

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