Nous avons beaucoup ces temps-ci entendu ce terme de « distanciation », nous préférons le prendre dans un sens « brechtien » une distance critique propice aux interrogations en profondeur sur notre destin commun.

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La rencontre inédite entre trois humaines et une machine flexible dotée d’un caractère très moyennement souple.
La « grâce », le contrôle, la surveillance et la réification du corps contraint.
 Trois femmes/personnages hybrides prises entre désir, peur, résistance, et quête de sens dans un espace sous tension. 
Un projet de double écriture centrée sur le fonctionnement mouvementé d’une machine dite « vivante » (dotée de comportement autonome) et d’une danse de « résistance / cohabitation » avec le machinique.

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La rencontre inédite entre trois humaines et une machine flexible dotée d’un caractère très moyennement souple.
La « grâce », le contrôle, la surveillance et la réification du corps contraint.
 Trois femmes/personnages hybrides prises entre désir, peur, résistance, et quête de sens dans un espace sous tension. 
Un projet de double écriture centrée sur le fonctionnement mouvementé d’une machine dite « vivante » (dotée de comportement autonome) et d’une danse de « résistance / cohabitation » avec le machinique.

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« Un dispositif formé, par une structure en fer modulaire-mobile et une série de cuillères accrochées contenant des mets expérimentaux, rentre en fonction à travers le contact rapproché du public. Il est conçu à la frontière des situations du quotidien : la table et le repas en tant qu'acte social qui dépasse la nécessité de se nourrir et la «mise en scène» d’un rituel collectif vécu non pas par des comédiens mais par des gens du commun. Au long de la performance, on oscille entre l’intime, car on assiste à la vision d’une bouche qui s’ouvre en face d’une autre, et le commun, car on accède au rituel du repas. »

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Un point de rencontre, une boîte bleue où tout est possible, allant de l’osmose à l'individuel. «On ne devrait jamais sortir indemne d’une rencontre, quelle qu’elle soit, ou du moins en sortir inchangé.» Extrait de «Éclats de sel» de Sylvie Germain, écrivaine et philosophe française(1996)

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Avec LE PLI Roberte & Robert portent leur recherche sur la plasticité des plis produits par les mouvements du corps. Le champ des possibles s’ouvre à l’infini sur un corps dont les parties peuvent se tendre et se contracter, s’élargir et se dilater. Les plis de la peau dévoilent la trace, la mémoire et creusent au cœur de la matière sensorielle et émotionnelle. Comme un paysage fait de plis, le corps dévoile l’empreinte du temps, et se plie pour exprimer la résilience humaine. Ce duo surprenant nous fait découvrir de multiples façons de plier leurs corps pour laisser réagir la matière musculaire, organique, dans l’instant où elles sont perçues.

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BLACK BELT recrache une encre magique qui révèle les zones troubles et agitées du vivant. Cette pièce est une plongée, elle ressemble à un poème agité d’une passion pour les formes vivantes et évolutives. Cette exploration provoque une inspiration multiforme, véhémente à sa racine et sereine à son épanouissement. BLACK BELT porte la ruse d’un être qui s’est multiplié pour s’éprouver et tord le cou à bien des idées reçues sur le réel africain. L’impulsion des matières côtoie la possibilité de féconder une utopie active, ce que Felwine Sarr nomme « Afrotopia ». Ici « l’Afrique n’a personne à rattraper » et tout indique qu’il faut questionner le mythe du développement et le positivisme scientifique qui projette une vision occidentale sur les sociétés africaines comme unique moyen pour les décrire.

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« Je danse et j’invite le reste à danser autour de moi. »

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Trois compositrices nous livrent une vision singulière, sensorielle et radicale du matériau vocal dans un contexte électroacoustique.

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Des autres, une montagne, sous les palmiers s’inspire de paysages du bout du monde, vastes et désertiques. De la contemplation de ces espaces – géographie, temporalités et puissance de projection - émerge la question de ce qui se joue dans la sensation d’altérité et plus largement dans le phénomène perceptif. D’aller retour constants entre sensations, imaginaire et action, s’invente un corps-paysage comme prolongement de l’espace qu’il occupe. Des sons, appréhendés comme des espaces, englobent, prennent le relai du corps et sculptent le temps. Des autres, une montagne, sous les palmiers déploie un paysage visuel et sonore épuré dans lequel la perception est invitée à naviguer entre globalité et détail, gestes et sons et à se laisser aller dans les espaces fictionnels qu’ils ouvrent.

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Du vaudeville nous avons tous en tête le petit drame bourgeois, forme théâtrale parodique qui met en scène une anecdote conjugale où les portes claquent, les égos se déchirent, le verbe s’emballe et jamais rien ne se dit. Du vaudeville nous ne retiendrons que l’accélération du tempo, les portes qui claquent, l’agitation des affects et la disparition du lien dans le calcul égoïste. 

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Résidence de travail pour la captation du duo Le Déclin créé par Samuel Mathieu et Fabienne Donnio en 2012 à Barcelone transformé en quotuor [DÉCLIN]2 au festival Tanz Moderne Tanz à Chemnitz en 2020, filmé lui aussi pour l’occasion.

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La première édition aura lieu le samedi 16 janvier de 10h à 16h au RING - Scène Périphérique. Édition ouverte à tou·t·e·s les danseur·s·es. NANA invite trois musiciens dont Tom Terrien, Christophe Ruetsch et Dj Highstyle. Une journée d’échange, de rencontres et de pratiques.

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Nous partirons du réel.  
La Fonte de K est un récit de voyage au Groenland du groupe amour amour amour parti faire le travail de deuil d’un ami pas encore suicidé.

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Nous partirons du réel.  
La Fonte de K est un récit de voyage au Groenland du groupe amour amour amour parti faire le travail de deuil d’un ami pas encore suicidé.

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« Car la vie se joue toujours ici, maintenant, et maintenant, et maintenant. »

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Un point de rencontre, une boîte bleue où tout est possible, allant de l’osmose à l'individuel. «On ne devrait jamais sortir indemne d’une rencontre, quelle qu’elle soit, ou du moins en sortir inchangé.» Extrait de «Éclats de sel» de Sylvie Germain, écrivaine et philosophe française(1996)

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Un point de rencontre, une boîte bleue où tout est possible, allant de l’osmose à l'individuel. «On ne devrait jamais sortir indemne d’une rencontre, quelle qu’elle soit, ou du moins en sortir inchangé.» Extrait de «Éclats de sel» de Sylvie Germain, écrivaine et philosophe française(1996)

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Avec LE PLI Roberte & Robert portent leur recherche sur la plasticité des plis produits par les mouvements du corps. Le champ des possibles s’ouvre à l’infini sur un corps dont les parties peuvent se tendre et se contracter, s’élargir et se dilater. Les plis de la peau dévoilent la trace, la mémoire et creusent au cœur de la matière sensorielle et émotionnelle. Comme un paysage fait de plis, le corps dévoile l’empreinte du temps, et se plie pour exprimer la résilience humaine. Ce duo surprenant nous fait découvrir de multiples façons de plier leurs corps pour laisser réagir la matière musculaire, organique, dans l’instant où elles sont perçues.

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Dans un dispositif scénique toujours identique, cette recherche est un prétexte chaque fois renouvelé à la rencontre de deux artistes. Un premier volet a ouvert cette série avec le danseur équatorien Christian Masabanda. Sous la forme d’une étude, deux corps mettent en jeu leurs savoirs, leurs masses, leurs mémoires dans un réseau de règles spatiales, physiques, et émotionnelles. Collision entre corps, son et lumières. Par Sylvain Huc et Fabrice Planquette.

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« Il y a une forme de légèreté et de grâce dans le simple fait d’exister, au-delà des occupations, au-delà des sentiments forts, au-delà des engagements politiques et de tous ordres et c’est uniquement de cela que j’ai voulu rendre compte, de ce petit plus qui nous ai donné à tous : le sel de la vie. » Extrait "LE SEL DE LA VIE" de Françoise Héritier.

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« Mise en scène pour la première fois en France, Ces yeux est une œuvre du norvégien Jon Fosse dont nous avons commandé la traduction. »

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« Mise en scène pour la première fois en France, Ces yeux est une œuvre du norvégien Jon Fosse dont nous avons commandé la traduction. »

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Dans sa quête sans relâche pour détourner les contours, Mister Bishop s’évertue à mettre en musique les objets et leur perfidie ordinaire.

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Dans sa quête sans relâche pour détourner les contours, Mister Bishop s’évertue à mettre en musique les objets et leur perfidie ordinaire.

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La deuxième édition aura lieu le samedi 27 mars de 10h à 16h au RING - Scène Périphérique. Édition ouverte à tou·te·s les danseur·se·s. NANA invite trois musiciens dont HBY, Dj Drama et Aivian. Petite nouveauté pour cette journée, Cloé Freneix, François Orjol & Christophe Bergon seront aux lumières. Une journée d’échange, de rencontres et de pratiques.

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Frau Troffea est une pièce–documentaire où pluralité des genres et multiplicité des comportements marginaux viennent questionner les règles, troubler la convenance, provoquer le bien-pensant et rencontrer l’appréhension des différences assumées. Frau Troffea pose, par son approche, une élaboration d’états de corps des plus sophistiqués aux plus quotidiens, aux plus informels, aux plus abandonnés. Portés au coeur d’une construction singulière, ceux-ci pourront être transformés, puis triturés, et poussés à destruction, révélant à la fois épuisement et libération, délivrance et satisfaction.

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Frau Troffea est une pièce–documentaire où pluralité des genres et multiplicité des comportements marginaux viennent questionner les règles, troubler la convenance, provoquer le bien-pensant et rencontrer l’appréhension des différences assumées. Frau Troffea pose, par son approche, une élaboration d’états de corps des plus sophistiqués aux plus quotidiens, aux plus informels, aux plus abandonnés. Portés au coeur d’une construction singulière, ceux-ci pourront être transformés, puis triturés, et poussés à destruction, révélant à la fois épuisement et libération, délivrance et satisfaction.

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Journal est une revue sur la performance qui met en voix, en gestes et en actions les différents articles qui la composent. Le numéro #02 de Journal est sorti en Avril 2018. Il comprend sept articles conçus par Stève Paulet, Karina Sarkissova, Marion Vasseur Raluy, Lisa Vereertbrugghen, Robert Steijn, Lauren Tortil et Antoine Vallé.

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« Cette pièce repose sur l’oscillation permanente entre quotidien et surréalisme, entre pudeur et barbarie. Que cela suive son cours, voilà la catastrophe de ces personnages. Dans cette pièce, je souhaite que les silences soient des tableaux. » MM

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« Cette pièce repose sur l’oscillation permanente entre quotidien et surréalisme, entre pudeur et barbarie. Que cela suive son cours, voilà la catastrophe de ces personnages. Dans cette pièce, je souhaite que les silences soient des tableaux. » MM

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Permettre l’acte. Rendre lisible une forme, une transformation. Inviter des acteurs, des publics et les investir. Explorer des lieux en regard de leurs appropriations.

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Permettre l’acte. Rendre lisible une forme, une transformation. Inviter des acteurs, des publics et les investir. Explorer des lieux en regard de leurs appropriations.

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Nous sommes sur terre, dans un laboratoire. À l'écart des grands changements climatiques, de l'écho des guerres et des crises sociales, cinq personnes tentent de créer de nouveaux super-héros. Quelles sont leurs motivations ? Quels sont leurs pouvoirs ? Que veulent-ils à l’humanité ?

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Nouveau projet du duo IrisAndBruno qui mixe leurs expériences musicales multiples, chanson folk expérimentale, musique électroacoustique, poésie sonore et joyeuse dinguerie. 

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Nouveau projet du duo IrisAndBruno qui mixe leurs expériences musicales multiples, chanson folk expérimentale, musique électroacoustique, poésie sonore et joyeuse dinguerie. 

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Un homme s’assoit sur un banc dans un jardin public, une femme vient peu après se poser à l’autre bout et l’interpelle... Se noue par la suite une liaison improbable, ils se perdent, se retrouvent. Derrière la banalité apparente de ce récit il y a un véritable chant d’amour et de croyance à la vie.

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« Les amis ne partagent pas quelque chose (une naissance, une loi, un lien, un goût) : ils sont toujours déjà partagés par l’expérience de l’amitié.  (...) Et c’est cette partition sans objet, ce con-sentement original qui constitue la politique. » Giorgio Agamben, L’amitié

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« Les amis ne partagent pas quelque chose (une naissance, une loi, un lien, un goût) : ils sont toujours déjà partagés par l’expérience de l’amitié.  (...) Et c’est cette partition sans objet, ce con-sentement original qui constitue la politique. » Giorgio Agamben, L’amitié

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Sur les rives est un solo qui s’origine dans les chemins que nous parcourons, tantôt avec insouciance, tantôt dans l’accompagnement de nos défunts. Sur les rives est un solo que je voudrais collectif.
Un espace qu’un corps fait vibrer et met en commun. Sur les rives est un solo,  une vanité (œuvre soulignant la fuite du temps), la reconstitution fantasque d’une danse macabre d’aujourd’hui. Sur les rives est une performance traversée par le lien entre les morts et les vivants.

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« Il est question d’un rituel. Il pourrait bien s’agir d’un mariage. Un mariage étrange et improbable. Un mariage hors société. Un mariage cruel. Un mariage hors du temps. Un mariage de corps immobiles. Un mariage d’êtres humains. Un mariage hors religion. Un mariage antisocial. Entre quelqu’un de valide et quelqu’un d’invalide. Entre Yann Marussich et Kamil Guenatri. Yann pèse 68 kilos et Kamil 31 kilos. Il n’y a aucune pitié à avoir. La pitié est une forme de pouvoir sur l’autre, en se croyant supérieur à ce qu’il y a en face de nous et qui nous dérange. Personne n’est supérieur. Il y a certes la critique de ce qui nous régit en termes de normes, mais d’abord il y a une certaine poésie qui dépasse les limites trop vite consenties par soumission ou par habitude du confort. La poésie des corps est tolérance et acceptation. La poésie est une leçon d’ouverture et de disponibilité ». Yann Marussich

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Sur les rives est un solo qui s’origine dans les chemins que nous parcourons, tantôt avec insouciance, tantôt dans l’accompagnement de nos défunts. Sur les rives est un solo que je voudrais collectif.
Un espace qu’un corps fait vibrer et met en commun. Sur les rives est un solo,  une vanité (œuvre soulignant la fuite du temps), la reconstitution fantasque d’une danse macabre d’aujourd’hui. Sur les rives est une performance traversée par le lien entre les morts et les vivants.

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Qu’est-ce qui préoccupe les jeunes danseur·euse·s aujourd’hui ? Qu’ont-ils·elles envie de raconter sur un plateau ? Retrouvons-nous en juin pour partager ces Intentions !

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En fin de parcours, les 11 danseur·euse·s/interprètes de la formation Extensions se concentrent sur leurs "Intentions", travaux personnels et collectifs. Parmi elles·eux, 4 porteur·euse·s de projet vont coordonner une équipe composée 2 à 5 interprètes issu·e·s de leur groupe et expérimenter ensemble un processus de recherche chorégraphique. Les contraintes : travailler en groupe et en autonomie, écrire une partition et produire une forme de moins de 20 minutes. Ce travail donne la possibilité aux danseur·euse·s d’éprouver leur créativité et de se projeter en tant qu’interprète et/ou porteur de projet.

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La CABANE est pour moi une métaphore de la fratrie.    C’est une œuvre collective mouvante, un espace de jeu et de possible.   Cette pièce parle d’intimité, de lien, de la place de chacun.  La tribu se défait, se reconstruit sans cesse.   On se jauge, se démarque, s’apprivoise.  On s’isole du groupe, on se rassemble dans une vibration collective.  Sur une musique pulsée, les corps vont sans cesse être amenés à se transformer et à se dépasser ensemble. Lionel Bègue

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La troisième édition aura lieu le dimanche 27 juin de 10h à 16h. NANA invite six musiciens dont Tom Terrien, un duo : Aivian & Bamba Stick et un trio : Slim Paul, George Storey & Tim Alcorn! Cloé Freneix, François Orjol & Christophe Bergon seront aux lumières. Une journée d’échange, de rencontres et de pratiques. 6H non stop d'improvisation.

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Samuel Beckett dit de lui même : "Je ne suis pas un intellectuel. Je ne suis que sensibilité. J'ai conçu Molloy et la suite le jour où j'ai compris ma bêtise. Alors je me suis mis à écrire les choses que je sens."

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RUGOSITÉ. De la surface rugueuse au grain : un jeu visuel entre les formes géométriques simples est mis en place. On voit la trame précise d’une image texturée. On observe des planches de motifs géométriques simples qui semblent en être le zoom. Puis se dessinent des formes élémentaires - signes - dans des objets trouvés sur place qui ont été catalogués. Les déclinaisons saisonnières ont en commun les couleurs et ce jeu infini entre des formes simples dans lesquelles on zoom et dézoome. 

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Cette résidence entre Basile Robert avec son Electric Botanic Ensemble et la Cie Jehane Hamm - Léa Sallustro sera une première opportunité d’exploration et de recherche. Les axes centraux seront autour du travail d’écoute et de contact en groupe avec d’autres danseuses mais aussi dans cet autre langage à inventer pour se relier à la scénographie immersive de cette forêt métallique électrique et sonore... Comment faire naitre un nouvel univers sensible et poétique ensemble?

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PARMI c’est deux êtres humain.es en constante recherche sur leur façon d’être face et avec la mort. Interrogeant la notion de rituel funéraire, iels explorent les pratiques, absence de pratiques et temporalité devant lesquelles nous met face un cadavre. Quelle attention avoir envers un corps ? Faire une cérémonie, ou pas ? Quels besoins ressentons-nous ? Une immense fête où les corps vont jusqu’à la transe, une minute de silence, une cérémonie sérieuse et précise, des souvenirs joyeux racontés autour du vin... C’est dans la recherche constante d’être à ce monde, de comment « assumer à la fois les limites parfois rageantes de l’existence humaine et l’intuition déstabilisante de tout ce qui la dépasse »* , que PARMI veut finalement célébrer à grands cris la liberté des corps, vivants ou morts. *Mona Chollet, Le « sentiment océanique » à l’assaut du rationalisme, Périphéries Mars 2005

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Dans SEREIN, les deux interprètes font autant un concert qu’une danse, iels font les deux à la fois. Iels construisent leur espace sonore à base de percussions répétitives, de boucles de chants et d’harmonicas et de techno acoustique. Au travers de ces transes discrètes, iels circulent, tracent des trajectoires, proposent des figures. Iels offrent le mouvement comme un assemblage d’énigmes, à la limite de la performance et de la danse écrite. Au sein d’une "partition ouverte", les gestes sont traversés comme des graphies, ce sont des signes, des indices, des effets physiques. On y voit peut-être des végétaux, des animaux, des humains ou des êtres fictionnels. Peut-être c’est une incantation pour un changement, une métamorphose, pour une communauté réelle ou fictive. Comme une cérémonie à faire, sans solennité, pour se mettre à jour dans nos dettes et repartir d’un pied nouveau.

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Habiter : être comme dans une demeure. Être habité : occupé, peuplé. Laboratoire-résidence, la Compagnie Celui qui dit qui est habite là pour un temps. Les artistes déplient la démarche de la compagnie, élargissent le plateau de leur fabrique transdiciplinaire à tout un quartier, espace public et lieux complices ; peuplent ces espaces de fictions, de présences, d'incrustations ; ouvrent des rencontres à différents états de leur travail. Moyen d’échanger avec les habitants sous de multiples formes à partir de la création danse théâtre Rôles&Rites - Chacun cherche sa place. Avec plein de petits hublots ouverts sur les processus de création, avec des invitations à, avec des choses qui se voient, des choses qui se montrent, d'autres qui se partagent, qui s'essaient, qui s'échangent, se fabriquent collectivement. Pour dire que le spectacle existe déjà dans sa fabrication. Que la rencontre fait partie de la fabrication. Pour laisser la chance au brouillon, à un processus, à une expérimentation d'embrasser les publics. Pour que la secrète rêverie déborde les murs et les pas de porte. Une fabrique à vue qui s'invite et qui invite. "L’Habitation est une expérimentation de la Compagnie Celui qui dit qui est / une tentative pour bousculer le chemin de production du spectacle vivant / éprouver le processus de création en étant poreuse à ce qui nous entoure (le lieu, ses habitants, leurs fictions) / où le temps de «répétition» est autant un spectacle que le spectacle lui-même"

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Fenêtre sur la création, répétition ouverte de rites, rôles, et tournage à vue "le goût du faux"

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Un temps d'échange au ring, avec rencontre des artistes, petits gâteaux et micro-bibliothèque.

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Fête d’ouverture = Tout au long de la soirée, nous serons invité·es à ouvrir nos papilles et nos oreilles à travers deux performances. L’une proposée par l’artiste plasticienne Denise Bresciani et l’autre par le compositeur Christophe Ruetsch ●●

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La performance En soie s’articule à partir du tandem formé par le domaine de la recherche en art avec celui de la création artistique afin de questionner le lien entre l’acte de percevoir et celui de penser. Le geste dansé ne tisse-t-il pas finement cette double faculté humaine ? À partir de son mémoire de master « L’expérience temporelle en danse » pour lequel Isabelle Kürzi écrit des récits issus de son expérience de danseuse, En soie propose une scène-laboratoire où se calligraphient tour à tour la parole sur le geste, le souvenir de sensations et pensées, avec la danse écrite « au présent ».

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L’articulation entre la recherche et la création, le geste et la parole, l’expérience et le récit de celle-ci sont au cœur de la démarche de la chorégraphe. Dans le cadre de l’ouverture publique au RING - Scène Périphérique, Isabelle Kürzi proposera un temps de conférence présentant le projet de recherche « L’expérience temporelle en danse » et un extrait du solo « En soie » dont la création aura lieu au festival Le NeufNeuf.

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Depuis bientôt dix ans Réveil Créatif vous invite à rencontrer, chaque mois au saut du lit, des invités qui vous parlent de créativité. Le moment est venu de passer à la vitesse supérieure. Venez gravir avec nous et nos invités les marches vers l’épanouissement créatif ! Après l'échauffement de votre potentiel créatif avec la Cie Celuiquiditquiest, guidé par des experts vous découvrirez, en ateliers, les trésors de créativité qui se cachent en vous. Rendez-vous samedi 11 septembre à 9h00 pour une grasse matinée riche d'expériences créatives.

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La quatrième édition aura lieu le dimanche 12 septembre de 14h à 20h. NANA invite trois musiciens (l'édition est en cours d'élaboration). Une journée d’échange, de rencontres et de pratiques. 6H non stop d'improvisation.

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Cette création a pour horizon une interrogation sur le féminin, pour centre l’exploration du flamenco, et pour médium la figure de Gradiva, bas-relief antique représentant une femme en train de marcher, mis en lumière au XXème s. par la nouvelle de Jensen, l’analyse de Freud et la peinture des surréalistes.

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Cette création a pour horizon une interrogation sur le féminin, pour centre l’exploration du flamenco, et pour médium la figure de Gradiva, bas-relief antique représentant une femme en train de marcher, mis en lumière au XXème s. par la nouvelle de Jensen, l’analyse de Freud et la peinture des surréalistes.

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Pour se reconnaître, on oublie toutes les éventualités les autres imaginations de nous mêmes. Tous ces rituels c'est d'un doux amer mais ça nous sédimente. Même que à force de s'endormir dans son costume, on va finir pas se louper. Entre trajectoire d'actes dansés furie collective et poèmes suspendus, une symphonie s'écrit de hontes de malentendus de dégringolades et de masques qui s'effondrent. Une manière de jouer à extérioriser nos manœuvres secrètes comme riposte à ce carcan de normes.

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Avec le projet VIDEO CLUB -unloaded-, nous souhaitons envisager notre première pièce VIDEO CLUB par un prisme différent. En proposant de transmettre la partition à deux autres interprètes, nous opérons un mouvement de recul par lequel nous expérimenterons le rôle hors-champ du plateau. Bien que nous l’ayons explorer avec VIDEO CLUB, nous n’avons cessé de le quitter pour engager nos propres corps en scène. Ici, c’est un travail différent qui s’amorce : savoir imprégner de nos intentions deux autres que nous, deux alter ego aux physicalités complètement différentes; et voir ce que leur traversée personnelle de ces états peut amener à notre travail. Ce nouveau duo que nous choisissons masculin se tiendra en miroir du nôtre. Miroir dans lequel nous pourrons cependant entrer, puisque nous imaginons une multitude de configurations de présentation possibles : en quatuor, en duo mixte, en même temps dans deux endroits ou lieux différents… Tout en explorant la plasticité du temps et de l’espace de la performance, ce projet aux reflets pluriels, comme autant de facettes d’une même personnalité, interroge notre relation au genre et questionne la binarité en réinventant la notion même de binôme.

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Pour se dire au revoir ce sera une fête de village dans une salle de théâtre. Ce sera l’aboutissement des six semaines d’Habitation, de rencontre et d’expérimentation. Une conclusion joviale pour jouer une histoire de quartier fictive, avec des habitants interprétant leur propre rôle et nos personnages qui s’y glissent. Bien sûr on invitera la TV locale pour ramasser des images. Ce sera l’occasion de les incruster dans notre série docu-fiction Le Goût du faux.

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Du vaudeville nous avons tous en tête le petit drame bourgeois, forme théâtrale parodique qui met en scène une anecdote conjugale où les portes claquent, les égos se déchirent, le verbe s’emballe et jamais rien ne se dit. Du vaudeville nous ne retiendrons que l’accélération du tempo, les portes qui claquent, l’agitation des affects et la disparition du lien dans le calcul égoïste.

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Nuit et jour s'intéresse à la gestuelle générée par l'interaction des corps avec les environnements diurne et nocturne. Entre noir, pénombre et éblouissement, le corps des danseurs accueille les perturbations des sens et les variations d’état pour révéler un dialogue entre mouvements diurnes et nocturnes. De l’élan et l’éclat du geste diurne à l’imprévisible et l’étrange du mouvement nocturne, ce trio joue d’un mouvement en dialogue avec l’imaginaire de la lumière, son intensité, ses directions. Empruntant au jour ses couleurs. Empruntant à l’imaginaire de la nuit son mystère et ses peurs et imaginant une réconciliation possible entre la peur et la joie.

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Du vaudeville nous avons tous en tête le petit drame bourgeois, forme théâtrale parodique qui met en scène une anecdote conjugale où les portes claquent, les égos se déchirent, le verbe s’emballe et jamais rien ne se dit. Du vaudeville nous ne retiendrons que l’accélération du tempo, les portes qui claquent, l’agitation des affects et la disparition du lien dans le calcul égoïste.

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Sophie Adoue et la Cie un homme s'énerve nous invitent à une plongée iconoclaste, poétique et musicale, dans le roman et la langue polyphonique de Dostoïevski, bien éloignée d’une adaptation théâtrale classique et de toute approche narrative. C’est à partir du thème de l’enfance blessée et humiliée qu’elle explore librement l’intrigue à la fois policière et métaphysique de la fratrie perdue des frères Karamazov, animée par la haine du père et la tentation du Parricide. Cette création à la distribution entièrement féminine - une violoniste et quatre comédiennes au plateau - fait résonner avec fulgurance la fantasmagorie karamazovienne, et ouvre à une expérience contemplative radicale.

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Le projet Forêts est une traversée en solitaire. Julien Monty y déploie une partition polyphonique en juxtaposant deux modalités expressives : celle du corps qui bouge dans son apparence irréfutable, laissant surgir une graphie et celle de la parole comme manifestation vocale, véhicule d’histoires. Prenant appui sur deux contes issus du Mont Analogue de Renée Daumal, Julien Monty tente de déplier quelques notions symboliques du corps passé au crible du langage. Le texte se déverse dans la danse, le geste, quant à lui, contient la parole en concordance ou en discordance. Forêts est un lieu de recollection permanente, les images naissent de la friction entre textualité et corps en mouvement. Chaque présentation de Forêts est singulière, inlassablement adaptée au lieu qui l’accueille, en intérieur ou à la lisière d’une forêt.

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En soie s’articule à partir du tandem formé par le domaine de la recherche en art avec celui de la création artistique afin de questionner le lien entre l’acte de percevoir et celui de penser. Le geste dansé ne tisse-t-il pas finement cette double faculté humaine ? À partir de son mémoire de master « L’expérience temporelle en danse » pour lequel Isabelle Kürzi écrit des récits issus de son expérience de danseuse, En soie propose une scène-laboratoire où se calligraphient tour à tour la parole sur le geste, le souvenir de sensations et pensées, avec la danse écrite « au présent ».

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Le projet Forêts est une traversée en solitaire. Julien Monty y déploie une partition polyphonique en juxtaposant deux modalités expressives : celle du corps qui bouge dans son apparence irréfutable, laissant surgir une graphie et celle de la parole comme manifestation vocale, véhicule d’histoires. Prenant appui sur deux contes issus du Mont Analogue de Renée Daumal, Julien Monty tente de déplier quelques notions symboliques du corps passé au crible du langage. Le texte se déverse dans la danse, le geste, quant à lui, contient la parole en concordance ou en discordance. Forêts est un lieu de recollection permanente, les images naissent de la friction entre textualité et corps en mouvement. Chaque présentation de Forêts est singulière, inlassablement adaptée au lieu qui l’accueille, en intérieur ou à la lisière d’une forêt.

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Dix ans plus tard “Faites demi tour dès que possible”, les protagonistes de cette première expérience ont évolué. L’enfance insouciante des uns a laissé place à l’adolescence avide de réponses, la retraite récente des autres a transformé l’espace infini en contour. Les yeux sont désormais grands ouverts. Les questions se précisent, se dilatent, se décentrent, se fondent et se percutent. Il est désormais temps pour cette tribu des’emparer de ce moment rare, où l’ingénuité de l’enfance vacille, où le lâcher prise des âges mûrs se précise, pour se lancer et engager le dialogue. Une histoire intime et universelle, où vidéo, danse et théâtre mèneront parents, enfants et grand-parents vers une performance intergénérationnelle bruyante et caustique, délicieusement indiscrète.

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Mr. Splitfoot est une réflexion sur la manière dont se transmettent les émotions, les énergies et les pensées. C'est une expérience avec les ondes présentes dans l'espace. Mr. Splitfoot est un solo féminin qui communique avec un espace réel et inconnu. Tour à tour par le silence ou la soudaineté d'un geste, il tente de dire l'indicible et nous plonge dans un état de rêverie intense.

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Dans l’espace de concert du Ring, les élèves de la classe de composition électroacoustique travaillent l’interprétation des œuvres du programme LA FOLLE NUIT ACOUSMATIQUE sous la direction de Bertrand Dubedout et des compositeurs présents.

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Sophie Adoue et la Cie un homme s'énerve nous invitent à une plongée iconoclaste, poétique et musicale, dans le roman et la langue polyphonique de Dostoïevski, bien éloignée d’une adaptation théâtrale classique et de toute approche narrative. C’est à partir du thème de l’enfance blessée et humiliée qu’elle explore librement l’intrigue à la fois policière et métaphysique de la fratrie perdue des frères Karamazov, animée par la haine du père et la tentation du Parricide. Cette création à la distribution entièrement féminine - une violoniste et quatre comédiennes au plateau - fait résonner avec fulgurance la fantasmagorie karamazovienne, et ouvre à une expérience contemplative radicale.

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Un collectif de professeurs du Conservatoire de Toulouse - conservatoire qui célébrait en 2020 son 200e anniversaire - s’est formé pour imaginer un concert tourné vers la création musicale, et voué à des compositrices et compositeurs qui ont étudié ou enseigné au Conservatoire et contribuent à son rayonnement sur la scène nationale et internationale. Initiale de « collectif, conservatoire, concert, contemporain et composition », la lettre C entend constituer également l’initiale d’un projet à long terme : celui d’un ensemble instrumental voué aux musiques d’aujourd’hui et aux répertoires dans lesquels elles ont pris racine : le C200.

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L’accordéoniste Fanny Vicens présentera son nouvel album « Turn On, Tune In, Drop Out », sorti sur le label éole_records, avec la complicité d’un artiste visuel de l’ensemble Flashback.

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De 16h à 02h10, huit concerts acousmatiques de 50 minutes, séparés par des pauses de 30 minutes, pour un panoptique artistique de quatre décennies de la classe de composition électroacoustique de Bertrand Dubedout au Conservatoire de Toulouse. Nous dédierons cette soirée à Julien Copeaux, compositeur et pianiste, qui nous a quittés en 2003.

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La nuit remue, elle réveille la bête qui est en moi. C'est une manière de passer La Nuit debout et de vous faire une confidence. C'est un mantra secret murmuré à l'oreille, une déclaration d'amour à l'obscurité. Isabelle Luccioni

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La cinquième édition aura lieu le dimanche 05 décembre de 10h à 16h. NANA invite trois musiciens : le duo UTGANG / Somilat / Dax. Une journée d’échange, de rencontres et de pratiques. 6H non stop d'improvisation.

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La nuit remue, elle réveille la bête qui est en moi. C'est une manière de passer La Nuit debout et de vous faire une confidence. C'est un mantra secret murmuré à l'oreille, une déclaration d'amour à l'obscurité. Isabelle Luccioni

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Trois colliers donnerait à voir une culture collective hypothétique. Cette culture collective serait constituée d’un mélange de gestes pragmatiques, documentaires et de gestes ornementaux, apparemment gratuits, mais réglés. Cette culture serait faite de lois temporaires.

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DOERS propose de passer par l'expérience de l'improvisation pour éveiller notre pouvoir d'agir à partir de notre imaginaire.

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DOERS propose de passer par l'expérience de l'improvisation pour éveiller notre pouvoir d'agir à partir de notre imaginaire.

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Nebula déploie un rituel tellurique de réparation du corps et du monde qui passe par leur transformation et leur interconnexion.

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Une femme seule, une main qui s’agite, un téléphone… et un homme absent. 
 Est-il parti ? Est-il mort ? En tout cas, il n’est plus là.

 Convoquant tour à tour le mime, le théâtre d’objet, une scène culte du cinéma hollywoodien, une mère qui n’en finit pas de parler, Georgina Vila Bruch s’attaque au manque de l’être cher, au vide laissé par son absence et s’inscrit, avec Atònita, dans l’histoire des clowns intimistes. 
Avec une douce folie et une grande dose de fantaisie, Georgina Vila-Bruch, traite avec justesse le manque de l’autre, les tours joués par la mémoire et l'oubli. D’une expérience personnelle, elle fait le récit d'une histoire commune.

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Je ne peux plus être humain, je ne peux plus passer une journée normale quand je sais qu'à côté de moi on massacre, on torture, on enterre vivant. Ce qu’aurait dit Antigone. George Steiner

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La Séance, c’est une cérémonie dans laquelle on invite les spectateurices à assister à un désenvoûtement, et même peut-être, à se désenvoûter elleux-mêmes. L’idée est que ce qu’on appelle capitalisme, au-delà d’être un système économique, est une idéologie dans laquelle nous sommes né·es. C’est également une aliénation, aussi bien désirée que subie. Notre séance invite à une recherche pour tenter de s’en désenvoûter. Ici, MST s'attaquera à ce monstre depuis le prisme du spectaculaire qui a infusé toutes les strates de nos vies. Dans cette séance, on essaiera d'enlever les costumes pour donner à voir les gens et tenter de nous relier ; on confiera des questions, des aveux, on partagera notre bile en somme. On inventera des rituels, des parades, et, pour exorciser des figures de notre monde contemporain, des bulles de spectacles, des numéros, surgiront devant des vestiges de velours.

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Figures de l’étrange, traits d’innocence archaïque et de liberté brute, à la danse viscérale et la pensée sauvage, Motifs Sauvages voyage entre abstraction, fiction et réalisme, tel un espace entre jeu et rituel. Bas relief, haut en couleurs, Motifs Sauvages, électrocardiogramme émotionnel à géométrie variable. 

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Figures de l’étrange, traits d’innocence archaïque et de liberté brute, à la danse viscérale et la pensée sauvage, Motifs Sauvages voyage entre abstraction, fiction et réalisme, tel un espace entre jeu et rituel. Bas relief, haut en couleurs, Motifs Sauvages, électrocardiogramme émotionnel à géométrie variable.

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« Plus les comédiens seront chassés de la scène, plus ils répéteront. Ils se cacheront pour répéter dans les loges, dans les couloirs, dans les placards du théâtre. Et grâce à ces répétitions, des tas de doublures sortiront d’eux jusqu’à ce que les théâtres regorgent de comédiens. Quand les spectateurs réaliseront qu’annuler les comédiens revient au contraire à les multiplier, ils se lèveront. »

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La sixième édition aura lieu le samedi 19 mars de 10h à 16h. NANA invite trois musiciens : Tom Terrien / Christophe Ruetsch / En cours de programmation . Une journée d’échange, de rencontres et de pratiques. 6H non stop d'improvisation.

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« Plus les comédiens seront chassés de la scène, plus ils répéteront. Ils se cacheront pour répéter dans les loges, dans les couloirs, dans les placards du théâtre. Et grâce à ces répétitions, des tas de doublures sortiront d’eux jusqu’à ce que les théâtres regorgent de comédiens. Quand les spectateurs réaliseront qu’annuler les comédiens revient au contraire à les multiplier, ils se lèveront. »

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Cette présentation finale est le fruit de 5 mois de travail intensif au rythme de 6 heures par jour et 5 jours par semaine sous la direction alternée de 8 formateurs : Séverine Astel, Laetitia Boyault, Dominique Collignon Maurin, Denes Döbrei, Michel Mathieu, Jean-Marc Matos, Jean-Marc Richon, Marie-Angèle Vaurs. Directeur de la formation : Michel Mathieu

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Cette présentation finale est le fruit de 5 mois de travail intensif au rythme de 6 heures par jour et 5 jours par semaine sous la direction alternée de 8 formateurs : Séverine Astel, Laetitia Boyault, Dominique Collignon Maurin, Denes Döbrei, Michel Mathieu, Jean-Marc Matos, Jean-Marc Richon, Marie-Angèle Vaurs. Directeur de la formation : Michel Mathieu

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Se savoir et se voir aux prises avec la vitre, l’humain aurait il seulement ça de plus que l’insecte ? D'où vient cette longue obstination à zézayer sans cesse contre notre invisible fin ? Pourquoi cette histoire de jardin, de par ici la sortie, de meurtre de frère, de lâcheté de père, de cécité d’oncle, de trafics de femmes, de viols, d’incestes, de lynchage, jusqu'au génocide… Fouiller, fouiner pour découvrir qu'aujourd’hui tout est détérioré !

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La soirée sera imaginée par Mathilde Papin et Rémi Blanes, artistes du semestre 4. Elle débutera par "Serein", spectacle de danse de la rive compagnie suivi de deux concerts électroniques, "Triture" de Thierry Laffitte et un Dj set de Julia Henderson.

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Ce groupe d'artistes pratiquant l’art-action* à géométrie variable qui tend à rendre visible les diverses formes de ce médium que et ses multi- ples formats de diffusion. Nous voulons créer un laboratoire de recherches avec des temps de ren- contres et d’expérimentation formelle et théorique entre les membres du collectif et avec le public. Nous ne nous identifions pas comme un groupe fixe mais préconisons plutôt un concept de travail dont la visée première est de promouvoir un échange d’idées ouvert et libre. * art-action : Action - corporelle ou verbale - qui se déroule dans un temps et un espace défini avec ou sans public. L’affirmation du caractère artistique de cette action par son auteur.e est ce qui l’établit comme tel.

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Ce groupe d'artistes pratiquant l’art-action* à géométrie variable qui tend à rendre visible les diverses formes de ce médium que et ses multi- ples formats de diffusion. Nous voulons créer un laboratoire de recherches avec des temps de ren- contres et d’expérimentation formelle et théorique entre les membres du collectif et avec le public. Nous ne nous identifions pas comme un groupe fixe mais préconisons plutôt un concept de travail dont la visée première est de promouvoir un échange d’idées ouvert et libre. * art-action : Action - corporelle ou verbale - qui se déroule dans un temps et un espace défini avec ou sans public. L’affirmation du caractère artistique de cette action par son auteur.e est ce qui l’établit comme tel.

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La septième édition aura lieu le samedi 14 mai de 10h à 16h. NANA invite trois musiciens : le duo Utgang / Drama / Zelezna. À la lumière, carte blanche à Manfred Armand et Fabien LePrieult. Une journée d’échange, de rencontres et de pratiques. 6H non stop d'improvisation.

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À partir d’une approche de danse/théâtre documentaire, WERFEN trouve son origine dans les mouvements des manifestants, relevés selon un principe d’inventaire et envisagés comme des « ready-made » gestuels où le geste utilitaire devient un matériel théâtral et chorégraphique. Il vient se mêler à des paroles issues d’interviews, à l’intervention d’un témoin extérieur au spectacle, à des pas de danses traditionnelles repris lors des événements politiques et sociaux, et à des codes gestuels et vestimentaires de différents mouvements de contestations. WERFEN s’envisage comme une « enquête poétique », une tentative de condensation et d’ouverture, de jonction entre le factuel documentaire et ses digressions, ses imaginations possibles, comme des possibles autres mondes, des hétérotopies à construire.

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La scène se passe dans une prison de haute sécurité où sont détenus et peu à peu liquidés d’anciens militants de la cause égalitariste. Pour échapper à la déréliction de leur condition, ils ont inventé des formes littéraires inouïes qu’ils se récitent et s’échangent à travers couloirs et cloisons. La beauté âpre de ces textes a fini par suinter à travers les hauts murs de la prison et ils ont trouvé le chemin de la publication. Chemin secret, à peine visible et que n’empruntent que de très rares lecteurs qui forment communauté. Mais la critique veille et des spécialistes patentés des avant-gardes ont eu vent de l’existence de cette littérature dite post-exotique. Ils décident alors de se rendre dans la centrale et de rencontrer et recueillir les éclairages de leurs auteurs encore vivants. Un policier a été préposé à l’enregistrement... Ainsi ce roman qui prend la teneur d’un manifeste fait entendre la polyphonie hallucinée de détenus poètes et imprécateurs qui, tantôt avec rage, tantôt avec poésie, tantôt dans un rêve, exposent à des sourds la chair et la moelle du post-exotisme, une littérature carcé- rale inassimilable au commun des critiques. Le dialogue ne se noue à aucun moment et la matraque aura le dernier mot tandis que les prisonniers sont reconduits dans leurs cellules où ils poursuivront leur œuvre volatile et captureront les derniers fragments de leurs rêves avant extinction par suicide très assisté. Lecture d’extraits de Le Post-exotisme en dix leçons, leçon onze d’Antoine Volodine, GALLIMARD, 1998.

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Ofelias Machete est un projet de co-création et d’écriture performative en contextes, entre Zart compagnie et Encuentro Escenas en Contextos conçue dans une rencontre de trajectoires croisées. D’une part, Julie Pichavant de Zartcie a participé au projet Escena portátil, qui consistait à mettre en relation l’artiste avec les territoires de Laguna Verde, Olmué, San Felipe et Valparaíso au Chili afin de mettre en lumière à travers une investigation et un atelier de théâtre, les problématiques spécifiques liées à l’eau. D’autre part, Alejandra Sáez de Encuentro Escenas en Contextos a été invité à participer à l’oeuvre scénique et performative Ofelia – “Ko au te awa. Ko te awa ko au”. Cette première investigation a reçu le soutien de l’Institut Français et de la Région Occitanie en 2020-2021. Proposition qui met en évidence les voix des femmes dans la défense du territoire, recherche dirigée par Julie Pichavant qui enquête depuis plusieurs années sur l’extractivisme et la privatisation de l’eau notamment en Colombie. La collaboration est devenue une : co-création Ofelias Machete lors des résidences au Chili, en France en région Occitanie, en Belgique et en Italie en 2021.

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À partir d’une approche de danse/théâtre documentaire, WERFEN trouve son origine dans les mouvements des manifestants, relevés selon un principe d’inventaire et envisagés comme des « ready-made » gestuels où le geste utilitaire devient un matériel théâtral et chorégraphique. Il vient se mêler à des paroles issues d’interviews, à l’intervention d’un témoin extérieur au spectacle, à des pas de danses traditionnelles repris lors des événements politiques et sociaux, et à des codes gestuels et vestimentaires de différents mouvements de contestations. WERFEN s’envisage comme une « enquête poétique », une tentative de condensation et d’ouverture, de jonction entre le factuel documentaire et ses digressions, ses imaginations possibles, comme des possibles autres mondes, des hétérotopies à construire.

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Ofelias Machete est un projet de co-création et d’écriture performative en contextes, entre Zart compagnie et Encuentro Escenas en Contextos conçue dans une rencontre de trajectoires croisées. D’une part, Julie Pichavant de Zartcie a participé au projet Escena portátil, qui consistait à mettre en relation l’artiste avec les territoires de Laguna Verde, Olmué, San Felipe et Valparaíso au Chili afin de mettre en lumière à travers une investigation et un atelier de théâtre, les problématiques spécifiques liées à l’eau. D’autre part, Alejandra Sáez de Encuentro Escenas en Contextos a été invité à participer à l’oeuvre scénique et performative Ofelia – “Ko au te awa. Ko te awa ko au”. Cette première investigation a reçu le soutien de l’Institut Français et de la Région Occitanie en 2020-2021. Proposition qui met en évidence les voix des femmes dans la défense du territoire, recherche dirigée par Julie Pichavant qui enquête depuis plusieurs années sur l’extractivisme et la privatisation de l’eau notamment en Colombie. La collaboration est devenue une : co-création Ofelias Machete lors des résidences au Chili, en France en région Occitanie, en Belgique et en Italie en 2021.

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Les Rencontres Raisons Sensibles, dont l’édition #1 se tient à Toulouse du 1er au 12 juin 2022, sont organisées par le CRS ! Collectif Raisons Sensibles, un groupe affinitaire de terrestres sapiens qui font du théâtre, des bandes-dessinées, des gravures, des textes, des éditions, du son, du film, de la théorie, des luttes, des études, des dépressions, etc. Le point de départ est une passion commune pour la théorie critique, plus précisément la critique de la valeur-dissociation, une critique radicale de la totalité patriarcapitaliste et de sa raison instrumentale qui nous mutile via le Travail, la Valeur, la Marchandise, l’Etat, la Féminité, la Masculinité, etc. Avec Raisons Sensibles, on ne renonce pas à la raison, on réinjecte dans la raison l'émotion qui en a été historiquement dissociée par le processus de modernisation capitaliste. Durant les Rencontres Raisons Sensibles, nous proposerons des formes artistiques (théâtre, bandes dessinées, films, arts plastiques et sonores…) en lien avec la pensée critique radicale (café philo, conférences, arpentage, etc.) et nous y associerons des théoricien·nes pour débattre de ces œuvres avec les publics, pour faire dialoguer théories et pratiques, pour échanger au sens large sur les mécanismes de dominations (Patriarcat / Travail et Capitalisme / Racismes / Validisme / Anthropocentrisme…). Une table de livres, avec une sélection d’éditions de théories critiques et d’arts visuels, sera tenue par la librairie Floury. Des rencontres seront enregistrées par Radio Radio Toulouse

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Les Rencontres Raisons Sensibles, dont l’édition #1 se tient à Toulouse du 1er au 12 juin 2022, sont organisées par le CRS ! Collectif Raisons Sensibles, un groupe affinitaire de terrestres sapiens qui font du théâtre, des bandes-dessinées, des gravures, des textes, des éditions, du son, du film, de la théorie, des luttes, des études, des dépressions, etc. Le point de départ est une passion commune pour la théorie critique, plus précisément la critique de la valeur-dissociation, une critique radicale de la totalité patriarcapitaliste et de sa raison instrumentale qui nous mutile via le Travail, la Valeur, la Marchandise, l’Etat, la Féminité, la Masculinité, etc. Avec Raisons Sensibles, on ne renonce pas à la raison, on réinjecte dans la raison l'émotion qui en a été historiquement dissociée par le processus de modernisation capitaliste. Durant les Rencontres Raisons Sensibles, nous proposerons des formes artistiques (théâtre, bandes dessinées, films, arts plastiques et sonores…) en lien avec la pensée critique radicale (café philo, conférences, arpentage, etc.) et nous y associerons des théoricien·nes pour débattre de ces œuvres avec les publics, pour faire dialoguer théories et pratiques, pour échanger au sens large sur les mécanismes de dominations (Patriarcat / Travail et Capitalisme / Racismes / Validisme / Anthropocentrisme…). Une table de livres, avec une sélection d’éditions de théories critiques et d’arts visuels, sera tenue par la librairie Floury. Des rencontres seront enregistrées par Radio Radio Toulouse

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Les Rencontres Raisons Sensibles, dont l’édition #1 se tient à Toulouse du 1er au 12 juin 2022, sont organisées par le CRS ! Collectif Raisons Sensibles, un groupe affinitaire de terrestres sapiens qui font du théâtre, des bandes-dessinées, des gravures, des textes, des éditions, du son, du film, de la théorie, des luttes, des études, des dépressions, etc. Le point de départ est une passion commune pour la théorie critique, plus précisément la critique de la valeur-dissociation, une critique radicale de la totalité patriarcapitaliste et de sa raison instrumentale qui nous mutile via le Travail, la Valeur, la Marchandise, l’Etat, la Féminité, la Masculinité, etc. Avec Raisons Sensibles, on ne renonce pas à la raison, on réinjecte dans la raison l'émotion qui en a été historiquement dissociée par le processus de modernisation capitaliste. Durant les Rencontres Raisons Sensibles, nous proposerons des formes artistiques (théâtre, bandes dessinées, films, arts plastiques et sonores…) en lien avec la pensée critique radicale (café philo, conférences, arpentage, etc.) et nous y associerons des théoricien·nes pour débattre de ces œuvres avec les publics, pour faire dialoguer théories et pratiques, pour échanger au sens large sur les mécanismes de dominations (Patriarcat / Travail et Capitalisme / Racismes / Validisme / Anthropocentrisme…). Une table de livres, avec une sélection d’éditions de théories critiques et d’arts visuels, sera tenue par la librairie Floury. Des rencontres seront enregistrées par Radio Radio Toulouse

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Les Rencontres Raisons Sensibles, dont l’édition #1 se tient à Toulouse du 1er au 12 juin 2022, sont organisées par le CRS ! Collectif Raisons Sensibles, un groupe affinitaire de terrestres sapiens qui font du théâtre, des bandes-dessinées, des gravures, des textes, des éditions, du son, du film, de la théorie, des luttes, des études, des dépressions, etc. Le point de départ est une passion commune pour la théorie critique, plus précisément la critique de la valeur-dissociation, une critique radicale de la totalité patriarcapitaliste et de sa raison instrumentale qui nous mutile via le Travail, la Valeur, la Marchandise, l’Etat, la Féminité, la Masculinité, etc. Avec Raisons Sensibles, on ne renonce pas à la raison, on réinjecte dans la raison l'émotion qui en a été historiquement dissociée par le processus de modernisation capitaliste. Durant les Rencontres Raisons Sensibles, nous proposerons des formes artistiques (théâtre, bandes dessinées, films, arts plastiques et sonores…) en lien avec la pensée critique radicale (café philo, conférences, arpentage, etc.) et nous y associerons des théoricien·nes pour débattre de ces œuvres avec les publics, pour faire dialoguer théories et pratiques, pour échanger au sens large sur les mécanismes de dominations (Patriarcat / Travail et Capitalisme / Racismes / Validisme / Anthropocentrisme…). Une table de livres, avec une sélection d’éditions de théories critiques et d’arts visuels, sera tenue par la librairie Floury. Des rencontres seront enregistrées par Radio Radio Toulouse

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Les Rencontres Raisons Sensibles, dont l’édition #1 se tient à Toulouse du 1er au 12 juin 2022, sont organisées par le CRS ! Collectif Raisons Sensibles, un groupe affinitaire de terrestres sapiens qui font du théâtre, des bandes-dessinées, des gravures, des textes, des éditions, du son, du film, de la théorie, des luttes, des études, des dépressions, etc. Le point de départ est une passion commune pour la théorie critique, plus précisément la critique de la valeur-dissociation, une critique radicale de la totalité patriarcapitaliste et de sa raison instrumentale qui nous mutile via le Travail, la Valeur, la Marchandise, l’Etat, la Féminité, la Masculinité, etc. Avec Raisons Sensibles, on ne renonce pas à la raison, on réinjecte dans la raison l'émotion qui en a été historiquement dissociée par le processus de modernisation capitaliste. Durant les Rencontres Raisons Sensibles, nous proposerons des formes artistiques (théâtre, bandes dessinées, films, arts plastiques et sonores…) en lien avec la pensée critique radicale (café philo, conférences, arpentage, etc.) et nous y associerons des théoricien·nes pour débattre de ces œuvres avec les publics, pour faire dialoguer théories et pratiques, pour échanger au sens large sur les mécanismes de dominations (Patriarcat / Travail et Capitalisme / Racismes / Validisme / Anthropocentrisme…). Une table de livres, avec une sélection d’éditions de théories critiques et d’arts visuels, sera tenue par la librairie Floury. Des rencontres seront enregistrées par Radio Radio Toulouse

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– Nous avons toutes les raisons de penser que tu as lu le dernier fascicule d’Antoine Volodine, alors, de quoi ça cause? Ne te défile pas, Breton, pas la peine d’essayer de nous faire croire que ton statut de sous-homme à identité floue guenillant dans notre cité psychiatrique t’exempte de répondre, que je sache, tu es encore sensible aux coups... J’ai des renseignements sur toi, ils sont pas bons. Le Parti s’est penché sur tes antécédents, il t’examine de près. Ton dossier est exécrable. Donc, qui sont ces Filles de Monroe ? – De quelles filles que vous parlez ? – On peut te faire regretter d’être encore en vie, tu sais... Ça raconte quoi ce truc, et d’où il sort le Monroe ? – Peux pas répondre si vous m’appuyez sur la carotide... Connais aucune fille ici... – Breton, tu es membre de quelle section du Parti ? – Sais plus... les Samouraïs prolétariens ou peut-être les Libertaires de l’Incarnation ? Il pleut presque sans cesse dans la vaste cité psychiatrique isolée de tout. Le long des rues obscures, entre les vieux bâtiments errent infirmiers, malades et policiers ainsi que d’autres créatures au statut incertain. Le pouvoir médical et politique continue à s’exercer sur les hospitalisés de basse catégorie et bien que rusant et mentant en permanence, malades et morts obéissent. Antoine Volodine pensait avoir pris beaucoup d’avance sur le monde d’avant et voici que celui d’après est en voie de le rattraper. Reste l’humour, le dernier rempart à l’abri duquel le désastre en cours ressemble à une comédie. Lecture d’extraits de Les Filles de Monroe de Manuela Draeger, L’OLIVIER, 2021

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« Double concert : En première partie le projet La Copule porté par Loïc Varanguien de Villepin et Matthieu Guillin suivi du duo -electrofofolk- Bonux par Iris Lancéry et Bruno Capelle »

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Double Concert : Matthieu Guillin pour le projet Micro-shocks & Núria Andorrà pour le projet Senyals.

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BOBINES, forme vocale-actorale-musicale, enchâsse des portraits de figures féminines emblématiques ou anonymes, réelles et/ou fabulées, où prime la question du crédit accordé à la parole de celles-ci : Bécassine, Yvonne princesse de Bourgogne, Olga, Madeleine Riffaud... La récitante et le musicien se placent dans une dynamique de tissage, de mise en relai de ces nombreuses voix, tantôt infimes, tirées des oubliettes, ou rendues muettes, silencieuses, tantôt compulsives, explosives, ou faisant acte de « tenir parole » : une polyphonie. A travers les âges, la récitante et le musicien prêtent l'oreille, y invitent les spectateurs, et in fine fomentent un peuple à venir. « Pour imaginer collectivement un horizon politique au-delà du régime capitaliste patriarcocolonial, il faut modifier nos récits sur nous-mêmes : nous raconter notre propre histoire autrement, percevoir et nommer ce qui nous arrive autrement ». P.B Preciado

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Le pouvoir qu’exerce le super sur ses ennemis et ses fans ne tient-il pas davantage à la force de son costume qu’à ses dons hors du commun ? Pour en être un, il suffit à l’enfant d’une serviette accrochée dans le dos avec deux épingles à nourrices, d’un bavoir retourné, d’un k-way-capuche sur la tête ou d’un morceau de couverture nouée grossièrement pour faire de lui ce héros invisible à la mesure de ses ambitions. Tout autre partie du costume semble être accessoire. De même, la cagoule des lutteurs mexicain de Lucha Libre semble être investie d’un pouvoir similaire, avant qu’ils foncent sur le ring dans de prodigieux sauts. Telle la chevelure mythique de Sanson, le héros tiendrait-il essentiellement son pouvoir de sa cape ? Est-ce que la taille de la cape ça compte ? mais au fait, y-a-t ’il un sexisme de la cape ? Le complexe de la cape est une conférence/spectacle s’appuyant sur la place essentielle de l’esthétique super-héroïque dans la culture populaire, qu'elles en sont les sources, les conséquences et plus simplement problématiques posées vis-à-vis de l’individu moderne.   


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Pieces of my heart s’intéresse aux liens entre forme, abstraction et émotion. Avec DJ Mayday, accompagnés par une collection d’objets-totems, nous explorons la sensation d’être touché, nous amusons à former, déformer et transformer le corps, le son, et la réalité en des formes poétiques. Le corps se met en jeu avec les fulgurances de la perception dans une danse versatile, une forme de saturation chorégraphique. Un travail sur la fragmentation qui se déploie dans une atmosphère à la fois joueuse et submersive.

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Nouvelle production, après un premier projet de 25 minutes nous allons travailler sur la création d'un quatuor de 45 minutes. Un univers électronique où des images de "clubbing" apparaissent fait appel à l'imaginaire, au désir et à l'évasion, amenant les corps à un état d'épuisement et de frénésie : une exploration du lâché prise. Nous jouons entre les différents espaces scéniques pour que l'univers devienne quelque chose de palpable au plateau. Cette performance physique met en jeu des corps présents et vivants, elle est un appel à se connecter à soi et à l'autre.

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Saltarines est un saut à la fois grave et séduisant, âpre et joyeux. Une danse, pulsée, dynamique tout en rebond, où hommes et femmes sont réunis sous une même identité féminine. Un postulat, une alternative aux conventions entre hommes et femmes. Une approche transformiste pour les uns, si précise, si fine que le genre devient banal, inaperçu, et passe au second plan. Saltarines est le saut qui défie la pesanteur et désavoue la rumeur. Un geste articulé, défini par ses protagonistes, tel un cri spatial et temporel, sorte d’envolée engagée, lyrique, mouvante. Comme un aveu identitaire, à l’écoute d’une pulse, d’un rythme, d’un phrasé décliné au présent. Sorte de sacre aux retrouvailles des genres et des disciplines où majeur et mineur, puissance et vulnérabilité se rassemblent.

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La fête d'ouverture du Semestre 5 aura lieu le jeudi 08 septembre 2022 dès 18h30. Vous retrouverez une performance culinaire, musicale et des expositions ☆

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Calque !, c’est une forme à inventer. Notre amusement à nous est guidé par notre titre : calquer le film Deux fois, de Jackie Raynal. Plus jeune chef monteuse du cinéma français, elle est saluée pour son film par la critique féministe New-Yorkaise des années 70 pour le vocabulaire cinématographique qu’elle invente pour parler de l'obscène des violences conjugales. Le but est de prolonger son geste artistique par l’expérimentation des jeux formels entre théâtre et cinéma. Sur scène, David et Margaux rejouent des séquences et interviennent sur le montage, l’une essaye de draguer un des acteurs pour qu'il lui parle, l’autre tente de s'introduire dans une scène… Ce film, parce qu'il est expérimental doit être accompagné de manière ludique. On a oublié que le cinéma expérimental est drôle : comment sortir du dégoût, de l'ennui, et de la vexation dans nos préjugés sur l'art contemporain et le cinéma expérimental ?

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Le pouvoir qu’exerce le super sur ses ennemis et ses fans ne tient-il pas davantage à la force de son costume qu’à ses dons hors du commun ? Pour en être un, il suffit à l’enfant d’une serviette accrochée dans le dos avec deux épingles à nourrices, d’un bavoir retourné, d’un k-way-capuche sur la tête ou d’un morceau de couverture nouée grossièrement pour faire de lui ce héros invisible à la mesure de ses ambitions. Tout autre partie du costume semble être accessoire. De même, la cagoule des lutteurs mexicain de Lucha Libre semble être investie d’un pouvoir similaire, avant qu’ils foncent sur le ring dans de prodigieux sauts. Telle la chevelure mythique de Sanson, le héros tiendrait-il essentiellement son pouvoir de sa cape ? Est-ce que la taille de la cape ça compte ? mais au fait, y-a-t ’il un sexisme de la cape ? Le complexe de la cape est une conférence/spectacle s’appuyant sur la place essentielle de l’esthétique super-héroïque dans la culture populaire, qu'elles en sont les sources, les conséquences et plus simplement problématiques posées vis-à-vis de l’individu moderne.   


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POP est une pièce de danse multidisciplinaire autour des problématiques de santé mentale liées à l'homophobie. En partageant leurs intimités au plateau, les chorégraphes Matthieu Nieto et Thamsanqa Majela développent un langage chorégraphique et poétique pour transcender la violence au travers d’une danse thérapeutique, à la fois sensible et flamboyante. Tout en abordant des thématiques profondes et parfois brutales, ils souhaitent insuffler une sensation de légèreté au travers de la mise en scène d’un univers pop et onirique, à l’image de leurs fantasmes et fictions intérieures influencées par les cultures populaires qui leur ont permis de s'affirmer.

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Création hybride sonore, vocale et performative d’après la vie de Marguerite Porete et de son œuvre Le Miroir des simples Âmes anéanties et qui seulement demeurent en vouloir et désir d’Amour. Comment transmettre et partager le patrimoine immatériel médiéval ? C’est la question que se pose Flor Paichard, artiste lyrique et vocal (contre-ténor de formation) formé à la musique ancienne. LAPS_RELAPS(e) met en son et en voix des écrits de Marguerite Porete, béguine mystique condamnée au bûcher en 1310. Alternant répertoire vocal, contrafactum et textures sonores, cette création est ponctuée de textes lus, récités, vocalisés et de témoignages retransmis de femmes contemporaines engagées dans une foi chrétienne et militante, comme Marguerite, pour une autre Église. Accompagné par un carillon de 25 cloches en porcelaine (de tailles différentes) conçu pour l’occasion, Flor Paichard donne à entendre cette pensée dissidente et invisibilisée. Un regard queer sur cet héritage culturel médiéval pour réhabiliter une « autre » Histoire.

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Cette NANA JAM de rentrée sera la première ouverte aux spectateur·rices !! La huitième édition aura lieu le samedi 24 septembre de 10h à 16h. NANA invite trois musicien·nes : Tom Terrien / Zelezna (la programmation est en cours). À la lumière, carte blanche à Manfred Armand et Fabien LePrieult. Une journée d’échange, de rencontres et de pratiques. 6H non stop d'improvisation.

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Miroitements sonores se présente comme les éclats de musiques d'une partition-linéaire devenue une partition-volume. Les corps en mouvement invitent à entendre avec les yeux, bouleversent l'espace sonore et emmènent l'auditeur.rice dans une itinérance musicale. Une autre dynamique se crée, la danse comme thème principal des œuvres choisies emporte les musicien.ne.s et les danseur.euse.s dans une mouvance orchestrale qui donne à voir la mise en relief d'une écriture musicale.

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« Il est question d’un rituel. Il pourrait bien s’agir d’un mariage. Un mariage étrange et improbable. Un mariage hors société. Un mariage cruel. Un mariage hors du temps. Un mariage de corps immobiles. Un mariage d’êtres humains. Un mariage hors religion. Un mariage antisocial. Entre quelqu’un de valide et quelqu’un d’invalide. Entre Yann Marussich et Kamil Guenatri. Yann pèse 68 kilos et Kamil 31 kilos. Il n’y a aucune pitié à avoir. La pitié est une forme de pouvoir sur l’autre, en se croyant supérieur à ce qu’il y a en face de nous et qui nous dérange. Personne n’est supérieur. Il y a certes la critique de ce qui nous régit en termes de normes, mais d’abord il y a une certaine poésie qui dépasse les limites trop vite consenties par soumission ou par habitude du confort. La poésie des corps est tolérance et acceptation. La poésie est une leçon d’ouverture et de disponibilité ». Yann Marussich

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Mémoires des cendres invite à déambuler au milieu de plusieurs œuvres sonores, filmiques et visuelles d’Abdessamad El Montassir. L’artiste nous plonge dans les poésies, les récits et les paysages du Sahara au sud du Maroc, où l’artiste a grandi. À travers ces récits collectifs ou fictionnels mis en résonance, Mémoires des cendres nous propose de repenser l’Histoire et les cartographies de ce territoire, de questionner l’influence des traumatismes sur les individus et leurs évolutions socio-politiques.

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Pour Yann Marussich, l’immobilité est un choix esthétique : elle caractérise ses performances depuis plus de vingt ans. Kamil Guenatri, lui, ne l’a pas choisie : à cause d’une maladie, il perd l’usage de ses muscles. L’immobilité est ainsi devenue le point de départ de ses performances. L’œuvre issue de leur collaboration évoque la célébration d’un mariage étrange et improbable ; les noces de deux corps immobiles dans une sorte de rituel poétique que les artistes partagent avec le public. Noces de Vers est un triptyque, chaque volet est une performance en soi.

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En 2022 le Collectif Freddy Morezon souffle ses vingt bougies ! L'automne 2022 sera rythmé par une série d'événements dans divers lieux à Toulouse et dans la région. La programmation des 20 ans de Freddy Morezon culminera avec une grande fête les 15 et 16 octobre 2022 au Ring.

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En 2022 le Collectif Freddy Morezon souffle ses vingt bougies ! L'automne 2022 sera rythmé par une série d'événements dans divers lieux à Toulouse et dans la région. La programmation des 20 ans de Freddy Morezon culminera avec une grande fête les 15 et 16 octobre 2022 au Ring.

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"Loretta Strong, cet ovni théâtral habité par cet étrange personnage nous martelant son sempiternel "Allô la Terre ?", semble concentrer toutes les obsessions, tout l'univers de Copi : le voyage, la recherche d'autres galaxies, la transgression des sexes et des formes, le dialogue avec la mort. Le monde tout entier est contenu dans l'espace d'une capsule spatiale ou d'une scène de théâtre, par la grâce d'une imagination folle et libre comme celle d'un enfant.  C'est par là que Copi est subversif, et tellement vivant : en laissant entendre que la réalité n'est pas une forme donnée, mais une fiction que l'on peut toujours réinventer. "

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"Loretta Strong, cet ovni théâtral habité par cet étrange personnage nous martelant son sempiternel "Allô la Terre ?", semble concentrer toutes les obsessions, tout l'univers de Copi : le voyage, la recherche d'autres galaxies, la transgression des sexes et des formes, le dialogue avec la mort. Le monde tout entier est contenu dans l'espace d'une capsule spatiale ou d'une scène de théâtre, par la grâce d'une imagination folle et libre comme celle d'un enfant.  C'est par là que Copi est subversif, et tellement vivant : en laissant entendre que la réalité n'est pas une forme donnée, mais une fiction que l'on peut toujours réinventer. "

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Cette création est le fruit d’une conversation entre deux projets : « Journal », une revue orale et gestuelle initiée par le chorégraphe Matthieu Blond en 2017, et « Quire Whids » une recherche sur les formes poétiques et théâtrales médiévales menée par le chorégraphe Simon Asencio. Cette collaboration vise à développer une reconstruction chorégraphique de l’essai « Anon » de Virginia Woolf. Ce texte, jamais fini par l’autrice, est aujourd’hui éparpillé à travers plusieurs bibliothèques américaines et Européenne sous forme de note. Simon Asencio a collecté depuis plusieurs années ces fragments qu'il a traduit pour la première fois en français. Il a décidé de le « publier » par le biais du projet Journal. Cette publication se présentera sous la forme d’un solo interprété par Matthieu Blond qui à la manière d’un acteur de rue, d’un bonimenteur ou d’un troubadour viendra incarner les différente partie du texte : un chant qui célèbre la fin de l’hiver, la chorégraphie d’une estampie (danse médiévale), la déclamation d’un MacBeth ou la démarche d’un défilé Elizabethain...

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Un plateau nu, noir et laqué. Un vide animé de vagues vapeurs, pulvérisées ou découpées par la lumière, sculptrice d’ondes et de mouvements. Que voit-on ? Que croit on voir, qu’imagine t’on dans ces paysages d’abstractions changeantes? D’après l’histoire des sœurs Fox, créatrices du spiritisme et de leurs conversations avec un esprit baptisé « Mr. Splitfoot » Emilie Labédan entre en communication avec une réalité invisible de facon délicate et intense. Sous l’effet de matières ectoplasmiques propres aux médiums, les spectateur.trice.s se connectent peu à peu au corps-medium de la danseuse. Ce dernier, manifestement traversé de forces que l’on ne voit pas mais que l’on ressent. Dans un solo en forme de séance de spiritisme chorégraphique, Emilie Labédan donne corps à cet être invisible, imperceptible jusqu’alors au yeux des spectateur.trice.s.

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Chronique d’une danseuse est une performance qui s’intéresse à la question fondamentale de l’interprétation. L’idée étant de donner à voir au public un processus créatif en temps réel à partir d’archives.

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“Avec cette pièce pour trois interprètes, inspirée par la liberté du mouvement punk, Jérôme Brabant invite à un voyage dansé rythmé par une création musicale de Gustine.” Anne de La Giraudière

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La 13ème édition du NEUFNEUF Festival fait escale au RING pour quatre jours entre spectacles, masterclass pour danseur·ses professionnel·les, moments conviviaux... La programmation sera dévoilée début septembre 2022.

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Début du NeufNeuf Festival au RING ! ☆ En première partie, la chorégraphe Nedjma Merahi présentera sa création CDD et en seconde partie Jérôme Brabant présentera sa re-création (Je n’ai pas eu le temps d’y penser), c’est arrivé !

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À travers ce solo, le chorégraphe développe une danse à la fois mouvante et picturale, où les glissements imperceptibles des postures et les revirements intenses d’énergie témoignent des bascules que notre monde traverse.

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La Reverdie est une fable contemporaine traversée par deux êtres à la peau bleue ou jaune, venant d'un monde inconnu. Leur expérince de l'altérité fera naître une nouvelle mue de couleur verte dévoilant l'espace du commun.

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Ébloui est une rencontre entre mémoire et matière, naviguant entre sculpture et image, entre souvenir et perte, faisant de la musique, de la lumière, du son, du corps autant de protagonistes porteurs de traces, autant de paysages graphiques, visuels et musicaux.

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Dans le cadre du NeufNeuf festival de la Cie Samuel Mathieu et du festival ByPass du Studio Éole, cette soirée démarre avec une pièce de danse de Annabelle Chambon et Cédric Charron suivi d'une pièce musicale de Jodlowski.

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Création hybride sonore, vocale et performative d’après la vie de Marguerite Porete et de son œuvre Le Miroir des simples Âmes anéanties et qui seulement demeurent en vouloir et désir d’Amour. Comment transmettre et partager le patrimoine immatériel médiéval ? C’est la question que se pose Flor Paichard, artiste lyrique et vocal (contre-ténor de formation) formé à la musique ancienne. LAPS_RELAPS(e) met en son et en voix des écrits de Marguerite Porete, béguine mystique condamnée au bûcher en 1310. Alternant répertoire vocal, contrafactum et textures sonores, cette création est ponctuée de textes lus, récités, vocalisés et de témoignages retransmis de femmes contemporaines engagées dans une foi chrétienne et militante, comme Marguerite, pour une autre Église. Accompagné par un carillon de 25 cloches en porcelaine (de tailles différentes) conçu pour l’occasion, Flor Paichard donne à entendre cette pensée dissidente et invisibilisée. Un regard queer sur cet héritage culturel médiéval pour réhabiliter une « autre » Histoire.

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Depuis sa fondation en 1994 le quatuor de saxophones Quasar se consacre à la création et à la promotion de la musique contemporaine. Musique instrumentale, électronique, improvisation, théâtre instrumental, nouvelles lutheries ; autant de chemins pour explorer dans toute sa richesse l’univers du son au XXIe siècle. Seul ou accompagné d’un orchestre symphonique, acoustique ou branché, Quasar se distingue par sa sonorité unique, l’audace de sa programmation et par son engagement exceptionnel à l’égard des compositeurs contemporains. Quasar a créé plus de 150 œuvres, et s’est produit à travers tout le Canada, aux États-Unis, au Mexique, en Asie ainsi que dans une douzaine de pays d’Europe.

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Pour ce nouvel opus, qui a pour thème le mythe de Narcisse, l’Ensemble Flashback utilise les technologies d’intelligence artificielle de la startup Antescofo. Celles-ci permettent de faire dialoguer un ou plusieurs interprètes avec leur double numérique audio-visuel, créant ainsi une ambiguïté perceptive entre le monde réel et numérique.

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Forts du succès de La Folle Nuit Acousmatique #1 lors du 7e Forum ByPass en novembre 2021, nous reconduisons pour cette 8e édition l’idée d’un temps déployé, convivial et festif autour des musiques acousmatiques. La Folle Nuit Acousmatique #2 sera sous- titrée Kiyv / Toulouse pour ne pas perdre de vue les conditions terrifiantes qui s’imposent à la population et à la culture ukrainiennes. 4 sets de 50 minutes chacun, séparés par des pauses de 30 minutes, au cours desquels alterneront le portrait musical de deux compositrices : Georgia Spiropoulos et Bérangère Maximin, des créations d’œuvres d’élèves de la classe de composition électroacoustique du CRR de Toulouse et un très riche portrait de la création musicale ukrainienne autour de la compositrice Alla Zagaykevych.

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Cette pièce est une course. Celle de personnages détachés de leurs liens sociaux. Adolescents et adultes…
Les adolescents sont les uns, dans une recherche d’amour inconciliable avec un univers social qui ne leur fait pas place, les autres dans une fuite en avant sous-tendue par le vertige du risque physique et la violence fantasmée.
Quant aux adultes, ils sont comme des électrons libres, déconnectés de leurs métiers, vacillant dans leurs liens familiaux, errants au sein de cette gigue sur laquelle ils n’ont aucun pouvoir.
L’écriture de Claudine Galea entremêle les fils de ces destins dans unedanse qui cible la mort. Elle est rapide, directe, elle ne s’attarde pas, on passe…. elle trace les trajectoires croisées des personnages qui énoncent les désirs ou les impuissances qui vont incliner leurs destins.

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Conçu comme une traversée nocturne collective où danse et musique live se répondent, everything is temporary offre aux spectateurs une énergie débordante à la croisée du spectacle et du concert. Une aventure dans la culture afro-américaine des années 70 à aujourd'hui, entre spoken word et hip-hop. Les mots se confrontent aux corps dansants, à une danse rythmique ciselée et percutante. Une plongée progressive dans l’intime qui vient perturber le présent et nourrir cet aphorisme, everything is temporary.

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Une soirée conçue comme un dyptique où les danseur·ses de l'IsdaT sont invité·es à entrer dans les univers de deux artistes de la scène contemporaine actuelle : Nina Vallon et Brandon Malboneige.

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Une mère attend que son fils l’appelle. Elle ne l’a pas vu depuis longtemps, sauf sur l’écran de son téléphone. Que fait-elle de ce temps suspendu dans l’attente ? Elle parle à son fils absent, loin d’elle, non à cause des kilomètres, mais en raison du chemin qu’il a pris. Elle parle pour ne pas « devenir folle », c’est ce qu’elle se dit. C’est ce qu’elle dit au père du fils, qui lui se réfugie dans le silence. Ses pensées tournent sur elles-mêmes, en boucle, ses pensées la dévorent. Elle dérape, elle ne sait plus ce qu’elle dit, elle étouffe, elle a besoin de crier, elle voudrait hurler. Sa douleur, son incompréhension, son horreur. Son fils est un passeur de migrants ; son fils qu’elle aime tant, accomplit chaque jour des actes inimaginables, des actes inhumains. Comment remplacer l’image de l’enfant innocent par celle de l’homme que l’enfant est devenu. Cet homme qui « a gardé le même visage quand tout en lui est devenu infamie » ? Elle essaie de comprendre. Mais il n’y a pas de compréhension possible. Elle s’enfonce de plus en plus « au cœur des ténèbres ». Et nous y plonge.

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Cette pièce est une course. Celle de personnages détachés de leurs liens sociaux. Adolescents et adultes…
Les adolescents sont les uns, dans une recherche d’amour inconciliable avec un univers social qui ne leur fait pas place, les autres dans une fuite en avant sous-tendue par le vertige du risque physique et la violence fantasmée.
Quant aux adultes, ils sont comme des électrons libres, déconnectés de leurs métiers, vacillant dans leurs liens familiaux, errants au sein de cette gigue sur laquelle ils n’ont aucun pouvoir.
L’écriture de Claudine Galea entremêle les fils de ces destins dans unedanse qui cible la mort. Elle est rapide, directe, elle ne s’attarde pas, on passe…. elle trace les trajectoires croisées des personnages qui énoncent les désirs ou les impuissances qui vont incliner leurs destins.

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« Avant de mettre au monde son fils, laissant sa carrière de côté, E. était comédienne. Un soir, alors qu’elle remonte tout juste sur scène dans le rôle d’Électre, elle est prise d’un fou rire incontrôlable. Puis elle cesse de parler. Advient alors un silence vicieux, plein à craquer de mots débordés d’eux-mêmes — des mots qu’elle a pas su dire, des cris qu’elle n’a pas pu crier. Ce cri là de la naissance du fils. Celui d’Électre aussi. E. débordée cherche à comprendre, les raisons du silence, les raisons de parler. Dans le cadre d’un parcours analytique qui la confronte à elle-même, progressivement, elle raconte : l’instant du glissement originel, la difficulté à tenir debout, la perte du premier mot, l’oubli du visage de la mère, la parenté saisissante qu’il y a à accoucher d’un enfant et d’un personnage. Qu’advient-il de nous lorsque la peau s’ouvre si fort qu’elle laisse passer un nouvel être — qu’il soit d’encre ou de chair ? Où s’arrête le corps de la mère, où commence le corps de l’actrice ? Ou finit la langue maternelle, où débute la parole politique ? À quelles formes de transmissions systémiques le langage nous contraint-il ? Construite en douze séances et une post-séance, cette pièce sur la confusion identitaire est une réponse à Persona de Bergman. Un texte politique sur la dépression postpartum dans lequel le langage devient le miroir de la fissuration de l’être. Une pièce en forme de poème analytique où tressant les transferts, la situation d’analyse est poétisée, confondue à la situation théâtrale.» Sigrid Carré Lecoindre.

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Cette présentation intervient après plus de 5 mois de travail de plateau avec 9 intervenants différents : Jean-Marc Richon, Laëtitia Boyault, Michel Mathieu, Marie-Angèle Vaurs, Dominique Collignon, Denes Debrei, Jean-Marc Matos, Séverine Astel et Katharina Seyferth. Cette année, c’est Laëtitia Boyault qui accompagne la présentation de fin de formation. → Avec la mer comme horizon. La roda ouverte à celui qui veut la traversée/er, à ses risques et périls, un cri lancé à la vie : à tout prix vivre, pour pouvoir un jour exister.

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Écrit à partir de témoignages d’inconnu·es, Alter est une suite de réflexions philosophiques ordinaires, un échange d’idées fondamentales quoique sans prétention sur la vie, la mort, les relations amicales, la domestication de l’humain. À ces discussions se heurtent des corps généreux, explosifs, sensuels, circassiens. Le but de l’oeuvre est de jeter une lumière sur ces réflexions philosophiques simples que nous nous constituons et de poser un regard bienveillant sur cet être-ensemble obligé qui nous unit. Dans un contexte physique débordant, mettant en jeu des corps intelligents et jubilatoires.

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« Bouger ensemble en rythme 
Est un moyen humain
 De créer des liens, de communiquer.
 Coordination et synchronicité,
 Renforçant le sentiment d’unité. (…)
 L’individuel devient groupé, 
 Exutoire physique et mental,
 Cohésion et homogénéité du corps social. » 

 ​ Extrait tirés de l’ouvrage « Au-Delà du Club »

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Sur scène une bétonnière, une énorme bâche bleue et du sable: un espace scénographique entre plage et chantier. Un environnement où nous prenons le soleil, alors qu’un avenir incertain plane sur nous. La plage est de la Méditerranée touristique, avec ses hôtels et ses lotissements résidentiels, où le sable de la plage se mêle au sable du béton. Le sable comme symbole du temps qui passe et de la désolation. La mer est une matière de plastique bleu, un filet utilisé pour recouvrir les échafaudages. Et la bétonnière qui nous tient compagnie et qui tourne en rond.

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Pour ce nouveau projet, ma recherche se pose sur une fréquence : Le LA 440, note de musique associée à une fréquence utilisée comme hauteur de référence. Confronté à une standardisation des concepts, des objets, des sons et de la musique, le corps par en exploration de ce qui le défini comme individu et comme groupe social.

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« À Pic met de la poésie sur scène. A travers le regard des deux créateurs, le spectacle pose une vision de la modernité. Celui-ci se matérialise dans des poésies musicales, ces discussions de mots et de sons, d'ambiances et de phrases à travers desquelles le spectateur est invité à voyager. »

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RUGOSITÉ. De la surface rugueuse au grain : un jeu visuel entre les formes géométriques simples est mis en place. On voit la trame précise d’une image texturée. On observe des planches de motifs géométriques simples qui semblent en être le zoom. Puis se dessinent des formes élémentaires - signes - dans des objets trouvés sur place qui ont été catalogués. Les déclinaisons saisonnières ont en commun les couleurs et ce jeu infini entre des formes simples dans lesquelles on zoom et dézoome. 

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Genius Loci · L'esprit des Lieux · est un voyage de Blagnac à Toulouse, un projet de ville, danse et photographie, pour et avec les habitants des Quartiers Barradels à Blagnac et des Sept Deniers à Toulouse, mené par les chorégraphes Christophe Le Goff et Lorena Calandin, et la photographe, Yutharie Gal-Ong.

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Et quand il eut dépassé le pont, les fantômes vinrent à sa rencontre : Nosfératu de Friedrich Wilhelm. Murnau

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RUGOSITÉ. De la surface rugueuse au grain : un jeu visuel entre les formes géométriques simples est mis en place. On voit la trame précise d’une image texturée. On observe des planches de motifs géométriques simples qui semblent en être le zoom. Puis se dessinent des formes élémentaires - signes - dans des objets trouvés sur place qui ont été catalogués. Les déclinaisons saisonnières ont en commun les couleurs et ce jeu infini entre des formes simples dans lesquelles on zoom et dézoome. 

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“La notion de “corps en mouvement sur scène” constitue une partie très importante de ma recherche artistique. La valeur expressive du corps et sa précision narrative sont de très grandes qualités quand elles sont développées dans la complexité technique de l’exécution. Cette complexité permet à l’interprète d'aller explorer des contenus théâtraux que seules les personnes spécialisées dans la motricité et qui sont à la recherche d’une interaction avec l’observateur peuvent atteindre. "Fantômes" est un processus de création au service de cette philosophie.” V L A D I M I R R O D R I G U E Z - Chorégraphe de Fantômes "La recherche poussée que Vladimir propose aux machines vivantes que sont nos corps est passionnante. Elle rejoint à plusieurs endroits ma quête de justesse en scène. Il m'importe de rendre visible ce travail en France, comme artiste-interprète, comme porteuse de projet et comme chercheuse en scène." Q U E L E N L A M O U R O U X - Collaboratrice, interprète pour Fantômes + Direction Artistique de Qalis

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